I majnumret av BBC Music Magazine finns ett läsarbrev som påminner oss om hur musikens genrer går in i varandra, trår en sällsam, gränslös dans:
”[Maurice] Ravel’s home, with its clockwork toys, illustrates hisfascination with mechanisation and how it could be a thing of beauty. ’Boléro’, conceived as a ballet where a woman dances with increasing passion in front of a factory production line, is the apotheosis of this aesthetic, marrying sensual melody with mechanical motion.
The constant tempo, repetetive beat and lack of harmonic change were ahead of their time – it would take 50 years and the invention of sequencers before artists such as Kraftwerk would tap into this vein again. Ravel was basically doing trance-techno in 1928, and few people making records in that genre today can match him.”
Men vi, vi ska ge oss ut på en själens resa, besöka de olika världsdelar musiken befolkar, där själen, helt oegennyttigt, får livskraft och näring. Visst låter det patetiskt, men det är icke desto mindre sant. Att hjärnan hör musiken vet vi, att själen lyssnar vet vi.
Det första stoppet förtjänar litterära kopplingar, strandhugg vid en känd kust. ”Det förflutnas ständiga närvaro” är titeln på den legendariske journalisten Knut Ståhlbergs självbiografi, men det kan också vara en talande beskrivning av mycket av dagens fungerande progressiva musik, den som inte lever i ett vakuum utan suger näring av och ur det som varit liksom den sätter tänderna i samtiden.
Och då kan det bli så halsbrytande, för att använda ett favoritcitat från Sveriges science fiction-nestor Sam J. Lundwall, som på Reflections In Cosmo självbetitlade debut (Rare Noise Records) – och jag har haft tillfälle att stöta på dem i bootlegsvängen också, en konsert från Oslo i mars där dammluckorna rämnar och deras avantgardistiska frijazz i Last Exits fotspår (säger jag, väl medveten om att de i intervjuer sagt att det är en given inspirationskälla) blir spännande mellan impro och en progressiv jazzrock.
Som vanligt i ett nytt, hett, intressant band från Norge är det ett ursnitt ur vem-är-vem-boken som skrivs om samtida och väldigt progressiv (norsk) musik, i det här fallet Thomas Strønen (tunga trummor), Ståle Storløkken (experimentella klaver), Kjetil Møster (saxofoner intensivt använda) och Hans Magnus ”Snah” Ryan (ylande gitarr).
Förbannat rörlig musik, det här, oväntat och intensivt, detta norska strandhugg, debutskivan fångar mycket av den dramatik konsertupptagningen lät låta.
Vi reser vidare och tar till en gammal benämning för det redan Satie kallade för möbelmusik, musiken som ljudmässigt möblerade rummet, men som Brian Eno fäste för evigt som ambient, “it should be as ignorable as it is interesting”.
Och det väller fram sådan musik på alla fronter, mest för att husbehovsmusiker verkar tro att det är lätt att göra ambient, när det i själva verket är precis tvärtom.
Här exempel från ett resestopp i Italien, det lilla men kvalitetstyngda skivbolaget heter Glacial Movements, välvalt med tanke på hur det ljudande materialet ter sig en kall vinterdag eller en somrig vårmorgon.
Philippe Petits “You Only Live Ice” är exemplet för sabbar teorin om ambient som något bakgrundsströmmande, här är det påtagliga, detaljerade ljud och förflyttningar av stämningslägen som inte går att värja sig från, mer en ELM än ambient, eftersom örat inte släpper taget, från skivans inledande sköra och skira ljud till de mer olycksbådande halvvägs in.
Aria Rostami & Daniel Blomquists “Wandering Eye” är deras debutskiva, med varierande stycken som även de är för ljudligt uppmärksammande för att kunna sväva i bakgrunden, de har använt olika tekniker för de olika styckena, antingen liveinspelningar (två av dem i ett planetarium, men utan publik), filer skickade mellan musikerna eller meckade liveinspelningar.
Mer ELM än ambient, med andra ord, även här.
Berlinbon Johannes Malfattis solodebut “Surge” är väldigt mycket mer renodlad drån-ambient vars små men minutiösa förändringar av den hörbarligen statiska ljudbilden försvinner in och ur sinnet vid lyssningen, ett enda nästan timmeslångt stycke som kan lösa upp spända nervknutar liksom bara finnas där som en reflekterande bordsyta i ett tomt rum.
Awares “The Book Of Wind” är den unge religionsmystikern Alexander Glücks försök att nå det pressmaterialet antyder
”He wants to believe that someday, out of nowhere, a human, animal, or extraterrestrial being will accidentally produce the right sounds in the right order, and suddenly, everyone will be saved, forever.”
Skivan blir en stämningsskapare för något kallt och ödsligt, inte heller här blir hans skavank-drån något som bara förekommer i bakgrunden, det blir mer ett sensoriskt soundtrack till en plats som är skön att besöka, men smärtsam (kall, varm, ensligt, ödslig).
En av landets mer spännande tonsättare, Stefan Klaverdal, kallar sin nya skiva ”Secrets” (Dynamik) för ambient och det gör han rätt i.
Den hade platsat på Alessandro Tedeschis skivbolag Glacial Movements ovan, men i den delen som inte bara är tapeten i rummet som man lägger märke till och inte lägger märke till om vartannat, utan den bakgrund som sätter stämning, som berättar, som gör att du minns mer än känslan.
Ännu ett bevis på att det är svårt att göra bra ambient, något som får en extra dimension när det är musik av en utbildad tonsättare, när akademin tar plats på andra scener.
Den här musiken är sprungen ur platser i Malmö, ljudmiljöer som Stefan kallar dem för, men även instrument, röster och det eviga bruset, avsedd för en teateruppsättning. Men du, det spelar ingen som helst roll för din upplevelse i nuet. Den är platsspecifik i ditt huvud, det räcker.
O.R.k. – knepigt bandnamn och genomfula skivomslag, men kvartetten (italienarna Lorenzo Esposito Fornasari, sång, och Carmelo Pipitone, gitarr, tillsammans med Porcupine Trees basist Colin Edwin och över-allt-varande-trummisen Pat Mastelotto) bjuder på en sångbaserad rockprog på nya “Soul Of An Octopus” (Rare Noise Records), mer svänguttagande än debuten “Inflamed Rides” (Hard World), kanske förklaring ligger i det bandet själva skriver, att skillnaden mellan skivorna främst är en turné med trettio spelningar. Och att Fornasaris sång låter litet bättre (oh, the wonders of studio technology, skulle jag tro).
Omväxlande och påträngande pop med tyngd och svärta, Mastelotto sätter agendan.
Isildurs Bane & Steve Hogarths “Colours Not Found In Nature” (Ataraxia). Nej, det är inte det du tror, det är något annat. Det du tror kommer i november. Därmed inte sagt att det är dåligt. Bara något annat, som i sig är intressant, även om det, i mina öron, står långt från det jag väntade mig av Isildurs Bane, från debutkassetten och framåt.
Men det kommer en ny, renodlad, instrumental IB-skiva i november, den ser jag fram emot. Under tiden är det här en hybrid som kommer att finna sina öron, medan jag nog hellre återkommer, frekvent, till Richard Barbieris IB-kompade senaste skiva.
Strandhugget vid Tylösand blev inte riktigt det jag väntade mig, med andra ord, men den förväntan får inte överskugga att det här är en bra skiva som ändå, på något sätt, (oj, vad han anstränger sig att säga att det här är mer än lovligt bra i vår kära genre men inte låter som han hoppades (men som det nog lät i Halmstad i november)) som en kompromiss – vilket nog är helt fel, jag vet.
Dagens sångare i Isildurs Bane, John Anderberg, kommer snart med en egen ep och de småråa mixar jag lyssnat på, pekar på en intressant riktning med spänst och lagom mycket blandning av egensinne och välljud.
Tillbaka till Norge (åtminstone till ¾ eftersom bandet Pet Zoo består av (idel bekantingar) André Roligheten, sax, Stian Larsen, gitarr, Adrian Myhr, kontrabas och då den icke-norska fjärdedelen, Tomas Järmyr, trummor.
34 minuter skiva heter “Pøkk” (Vafongool) och det här är rubiks kub-kantig impro som för mig är så renodlad impro att jag lyssnar på den som en annan sorts ambient, ljud som skapades i stunden, ingen, av mig, återigen, upplevd riktning, bara ett knäppande, skumpande ljudlandskap, som en tokig bonde som kopplat ihop harven och plogen och sedan förädlat åkern i takt med att nya sidor i I Ching avverkades, kors och tvärs.
Den här sortens impro, eller rapshavre, för att föra analogin vidare, är också demensinducerande, eftersom jag redan vid andra lyssningen inte hade en aning om vad jag hade lyssnat på eller hur det skulle låta nu, igen. En paus mitt i biltvätten…
Vidare till Bialystok i Polen och newspaperflyhunting som debuterade 2012, men nu finns deras nya cd “Wastelands” (egen utgivning), melodisk, välspelad prog med koncepttankar, den lånar också inspiration från våra dagars postrock (de där gitarrerna som manglar oss över en vacker syntslinga!), en av vårens mest positiva överraskningar, men så faller jag ju ack så lätt för musik som ger mig melodier jag minns, inte så ödesmättade, mer nostalgiskt bedövande mjuka, gärna korsande mellan dur och moll.
Avslutande sjutton minuter långa ”Solaris” sammanfattar på något sätt hela skivan, det här gillar jag, skaffa.
Trion Mouth står för en härligt fullgången retrorock på “Vortex” (Blunoise Records), från den underbara omslagsdesignen till den svävande, psykedeliska rocken som inte vill släppa mitt intresse någon gång under lyssningen.
Även här handlar det om ett band (tyskt, från Köln) jag upptäckte genom en publikinspelning från en av de många festivaler för psychrock som förekommer på kontinenten, och de håller de musikaliska löftena de gav från scenen, det är varierande, åt Sula Bassana-hållet, men med en egen kärna, om än snodd från någon pårökts hjärna på sjuttiotalet.
Nu på sjuttonde året är musikens inspiration, som bandet påstår i pressmaterialet, progrockens gyllene år, men i mina öron är inte det framträdande, om jag inte vill räkna deras förkärlek för melodiska teman dit, men det spelar ingen roll, jag grävde mig bakåt i deras skivkatalog och köpte mig glad.
Och så är det dags för ett recensionsmässigt dilemma. Om en skiva är utgiven 2015 och den kommer för recension först nu, ska man skriva om den då? Om nämnda skiva dessutom är utgången, ska man skriva om den då? Ja, det ska man, om skivan är på väg att tryckas upp igen (det är den, kommer i sommar!) och om den är bra.
I det här fallet är det två rätt i rad, Simon Steenslands senaste skiva “A Farewell To Brains” (AltrOck) är frenetiskt bra och intressant, jag räknar med att du kommer att hitta den på någon skivbörs (ja, inte nu, direkt, eftersom den som väl köpt den, inte kommer att göra sig av med den i första taget, så vi får ställa vårt hopp till dödsbon som säljs vidare) i väntan på att nyutgivningen kommer om några veckor.
Återutgåvan hinner nog före dödsboet, slår det mig. Nå. Ok, hur ser då den musikaliska kartan ut? Steensland debuterade runt 1993, lever på att skriva musik främst, vad jag förstår, till teaterpjäser, kommit med en rad egna album med ojämna mellanrum ("The Simon Lonesome Combat Ensemble" (1993), "The Zombie Hunter" (1995), "Under öknar" (med Sten Sandell 1997), "Led Circus" (1999), "The Phantom Of The Theatre" (2001), "Live Gang-gang" (2004) och "Fat Again" (2009) – gån ut och leta!).
Hur låter den här skivan? Tja, som en Lars Hollmer på speed som lånat delar av Magma som kompband och med några äventyrliga radiokörare och -symfoniker som hjälpredor.
Morgan Ågren lirar trummor, Guy Segers från Univers Zero bas på sista spåret och så finns det en hel drös, mer än tjugo, människor som ger luft åt de tre runt kvarten långa sviter som bygger skivan, med allt från sina röster till träblås – det glödande gitarrsolot i den första sviten ”Schrödinger’s Cat” tillskrivs t.ex. Einar Baldursson från Gösta Berlings saga.
I övrigt är det upphovsmannen som spelar det mesta, slår an strängar och tangenter. Mellan sviterna mellanspel på två minuter, där det andra ”Fader vår” är just det, satt som ett mindre, men växande, körstycke till pianoackompanjemang. Märkligt.
Märkligt också hur musiken rör sig i en cirkel runt lyssnaren, hur man blir närmast injicerad av de tre sviterna, vilket jag märkte när jag, på hög volym, spelade skivan första gången i bilen, att de 53 minuterna bara blev längre och längre, bet sig i svansen, likt Samuel R. Delanys bok Dhalgren – ”och landade…”
Det här är en skiva du inte kan leva utan om du menar allvar med att progressiv musik ska vara just progressiv. Mycket nöje. (Och när jag letade gamla skivtitlar med honom på Amazon visades inte alla skivorna: ”Excluding adult items” stod det… Visst blir man extra sugen på hans gamla skivor då?)
Och mer nöje utlovas i rappet, eftersom det bara är dagar kvar tills nästa släpp, dubbel-cd:n "25 Years Of Minimum R&B". Ett stilla hurra.
Piano, röst och elektroniska ljud, allt i ett stilla rum, och allt är Nils Frahms fel, eftersom han bjöd upp publiken på scen för att delta vid ett konserttillfälle. Det gjorde Tom Adams och nu finns skivan ”Silence” (Kowloon) som just är i samma kontemplativa genre som Frahm rör sig i, men med den skillnaden att Tom också bjuder på sin röst, sina texter. Musik att bli överfallen av sena nätter i ett ensamt, ensligt rum; en röst som blir din vän. Det här är allvar.
Det finns också skäl att se till så att den här månadens resa även omfattar syntpopen. Dödsdans Rekords har t.ex. varit duktiga på att damma av svenska syntluggars ungdomssynder likväl som samtida blippbloppande och genren är lika trevlig idag som 1979 eller 1981, när jag köpte Human Leagues första som cut-out och blev golvad av Depeche Modes debut efter en ökenvandring post Kraftwerk och Cluster och de andra.
Därför också trevligt när Rundgång Rekords släppt Anna Öbergs “Härsknar”, en helgjuten comeback.
För trettio år sedan var hon en del av Ladomir, nu är det fortfarande synten i högsätet, en schizofren sådan.
För visst låter låtarna ”gamla” med retrospjuverljud och förnöjda nickar till åttiotalets storheter och ljud, men produktionen är knivskarp och precis, exakt, om än musiken ibland drar sig åt minimalistiskt håll.
Och texter på svenska, nej, skånska (Anna är född i Helsingborg), fyndiga och på-pricken-varande, med samma budskap som hos Bagewitz ovan. Det här var en överraskning, men kan Dennis & co väcka intresse hos syntpopare utanför vårt lands gränser, har vi nog en storsäljare in spe.
Jag har skrivit om dem tidigare, när debutskivan ”Swing på barrikaderna” släpptes:
”Och avslutningsvis en skiva som får folket på Timbro att drömma mardrömmar, en svensk Scott Bradlee fastän ändå så annorlunda, användande tradjazz på annat sätt, till annat.
Härlig plakatprogg (med två ’g’!) men utförd som gammeljazz, med anor som kopplar det här folkliga motståndet, gemensamhetstankarna och samtidskritik till en tid då musiken kunde burit budskapen på jazzklubbarna, kunde burit de här titlarna ’För dum för demokrati’, ’Swing it, rasisten’ och ’Varning till dom rika’.
Med tanke på den senaste mätningen i USA om hur många studenter där som tror att kapitalismen är ett fungerade system (inte många), så kan den här skivan översättas med framgång.
Kan man få se bandet på nästa swingfestival, Gunhild Carling?”
Nu har kollektivet Cats And Dinosaurs släppt ännu en cd, ”Kapitalismen är en dröm” (Pacaya), och det är tacknämligt mer av samma tjugo- och trettiotalsjazz, med samma sedelärande dängor om solidaritet, medmänsklighet och ett Grand Canyon fyllt med misstro mot marknadsekonomin.
Men det är inte enbart mer av samma dekokt som fyllde debuten, genremässigt breddar text- och låtskrivaren (också bekant i fina Laia) Filip Bagewitz mot blueshållet och kraften i swingen pressar ytterligare tyngre arrangemang och bluesmänniskan Christoffer Johansson gästar. Men det är på intet sätt någon lustifikation det här, allvaret är tydligt och spelskickligheten påtaglig. Skaffa.
Om än inte värda ett dedicerat strandhugg med släppt ankare och tänd grill, så kan Hidden Lands’ nya men ojämna “Halcyon” (Progress Records) nämnas,
liksom Mt. Wolfs varierade flirt med postrock och annat på debuten “Aetherlight” (CRC Music).
Tonstartssbandhts “Sorcerer” (Mexican Summer) är bröderna Andy & Edwin Whites sjuttonde (!) album sedan 2008 och skivans tre stycken runt och över tiominutersstrecket är fortfarande betagande psykedeliska och har ett sväng som är lagom på något märkligt sätt, riktigt värd att rekommendera så här mot slutet.
Periodens roligaste kommer nog från duon She-Devils som på sin självbetitlade debut (Secretly Canadian) skämtar och spritter om vartannat, humoristisk pop’n’roll med bredd och variation – och en glimt i ögat man inte tar miste på.
Tim Darcys debutskiva (vanligen sångare i kanadensiska bandet Ought) “Saturday Night” (Jagjaguwar) är som ömsom är bilåkarmusik-med-bra-tempo eller små popballader som utkonkurrerar en samtida Morrissey utan minsta bekymmer (och så låter grabben nästan som Roy Orbison, utan andra jämförelser musikaliskt!) eller något helt annat, det här är som en härligt förvirrad sjörapport, med strömvirvlar, orkanembryon, lugna hamnar och en tvekan om hamndjupen verkligen stämmer.
Nästa: “I was thinking about heavy metal a lot when I was making this record – there’s a lot of Iron Maiden in here.” Jaså, jaha. Richard Dawsons “Peasant” (Weird World Record Co.) snurrar runt det anglosaxiska riket Bernicia från den tidiga medeltiden, så litet pårökt, avig folkmusik och MOR-metall (bara fantasin sätter gränser; hör du det sistnämnda, hör jag det…) gör det här till en häxbrygd av bra musik, knäpp musik i Polyphonic Sprees efterföljd.
Crescent har vaknat igen (förra skivan kom 2007) och “Resin Pockets” (Geographic) är stillsam och DIY-folkpop inspelad både utomhus och inomhus (ibland undrar man vad det kan ha med resultatet att göra…), här kan man använda det fina brittiska uttrycket ”whimsical” och trådarna sträcker sig bakåt till slutet av sextiotalet, musikaliskt, texterna är också lagom carrollska. Jag gillar också när Matt Jones’, som leder bandet, bror spelar trummor, tamburin och är ”lookout”…
Nå, vi avslutar med en riktig fullträff i det här uppsamlingsheatet, Alejandro Ghersi eller Arca som han kallar sig som musiker, låter på sin självbetitlade tredje skiva (XL Recordings) oss både höra sin sångröst (märklig och skör) på de flesta styckena och fortsätta göra elektroniskt experimentell, fasförskjuten avant-pop, det är en oväntat mäktig och överskuggande upplevelse att lyssna igenom cd:n. Ayreon är ibland inne och tassar i vår favoritgenre när det inte blir för tungt eller metalliskt och Arjen Lucassen använder varje skiva som en del av en tänkt tidslinje, där den nya dubbel-cd:n ”The Source” (Music Theories/Mascot) utgör den egentliga början på den berättelse Ayreon berättat.
Den här är både himmel och helvete i mina öron, från välspelad och genomtänkt prog, över ihålig metall, tillbaka till det progrungande, iväg till metallopera – och så håller det på, man kan inte klaga på variationen, bara, i mitt fall, de ibland tveksamma genrevalen. Något för fansen och något för oss andra att doppa tårna i.
Joe Bonamassas ”Live At Carnegie Hall – An Acoustic Evening” (Provogue/Mascot) finns både att lyssna på och beskåda – och, nej, tänk inte så, ”inte ett livealbum till med Joe!” för det här är mer lägereldsmusik (ok, mitt i Carnegie Hall – men ändå) och ett nykomponerat band med musiker från alla världens hörn – mest framträdande i ljudbilden är kinesiska cellisten Tina Guo och Reese Wynans pianospel. Hemskt trevligt initiativ, Joe, som omväxling till den bredbenta bluesen, även om det blivit rätt många liveskivor vid det här laget.
Nog om detta. Avsluta nu dagen med ”Psalm” från Xenia Kriisins debutskiva ”Hymn” från 2013:
Eller varför inte med en texasbo? ”Lucky” med David Ramirez från Köpenhamn i fjol:
- Jan-Erik Zandersson
